HISTORIA DEL ARTE

PARADIGMAS EN EL ARTE

Profesora Dra. Claudia Cecilia de Bianchetti

Seminario de seis encuentros, en el que haremos foco en los cambios de paradigma en la historia del arte de occidente. Desde la Antigüedad hasta la emergencia del programa moderno en el siglo XX. Pensar el carácter histórico del arte nos permitirá ampliar la experiencia sensible y reflexiva que cada tiempo histórico propone. A su vez, podremos acceder a las producciones contemporáneas con una mirada nueva.

Presentación

Este seminario propone estudiar las producciones artísticas contemporáneas. Su objetivo es ampliar la experiencia sensible del arte y sumar la reflexión. Para ello, haremos foco en los cambios de paradigma que se dieron en la historia del arte de occidente. Haremos un recorrido desde la Antigüedad hasta la emergencia del programa moderno en el siglo XX. Pensar el carácter histórico del arte permitirá, a su vez, acceder a las producciones contemporáneas con una mirada nueva.

En efecto, el arte contemporáneo tiene que ver con las transformaciones que se dieron a lo largo del siglo XX. Fue el agotamiento de las bases sobre las que se asentaba la tradición. Como resultado, el paradigma artístico iniciado con el Renacimiento, cinco siglos antes, llegó a su fin. En este trayecto emerge el programa moderno en el arte. Su dinámica transformadora continuó expandiéndose hasta nuestros días en las propuestas del arte conceptual, la performance, el arte tecnológico, entre muchos otros.

Los artistas contemporáneos dicen hoy cosas nuevas. Valoran formas de trabajar desconocidas. Acudiremos a la historia del arte y al testimonio de los propios artistas, para apreciar las poéticas y sensibilidad contemporáneas y comprender estos modos de pensar y hacer arte nunca antes visto en la historia.

A lo largo de seis encuentros, haremos un recorrido partiendo del Arte Antiguo hasta el siglo XIX, para enfocar finalmente la revolución del siglo XX.

Fundamentación y descripción

¿Qué entendemos por arte contemporáneo? Empecemos por indagar su historicidad.

El siglo XX fue escenario de una verdadera revolución. De hecho, implicó el fin del paradigma iniciado con el Renacimiento, cinco siglos antes. Fue el agotamiento del proyecto de las bellas artes. Así, el canon de lo bello, la mímesis, como la división en géneros perdieron centralidad. Era la emergencia del programa moderno.

A partir de los años sesentas del siglo XX, se produjo un nuevo giro. Porque los artistas empezaron a trabajar de modos diferente, a valorar otros materiales, a usar soportes totalmente novedosos. El contexto histórico social fue la aparición de la nueva sociedad de consumo, de los medios masivos de comunicación, de las nuevas tecnologías de la información y comunicación y, finalmente, del capitalismo financiero y transnacional.

Muchas de las bases sobre las que hoy se produce arte fueron formuladas en aquellas décadas. Las nociones de desmaterialización del arte, confusión arte y vida son alguna de ellas. El presente seminario comprende seis jornadas.

La primera estará dedicada a repasar, sintéticamente, el arte antiguo, como momento en que arte y verdad armonizaban. Seguidamente se hará foco en el arte medieval cristiano, arte pensado como vehículo del mensaje religioso.

La segunda jornada abordará el proyecto desplegado entre los siglos XV al XIX. Fueron cinco siglos en los que, si bien se impuso el canon mimético, se sucedieron diversidad de programas artísticos como el Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococó y Neoclasicismo. Entrado el siglo XIX, el arte comenzó a autonomizarse de los contextos de poder y abrió el paso a la revolución del arte moderno.

En las siguientes jornadas se hará foco en cada una de las cinco tendencias seleccionadas que, a nuestro entender, fueron clave de los años de 1960, como el arte pop, el arte mínimal, el arte de la tierra, el arte conceptual y la performance. Se apreciará y reflexionará la obra de los artistas fundadores y destacados en cada una de ellas, cerrando la unidad con obra de creadores latinoamericanos producida, preferentemente, en fechas recientes.

Contenidos

Unidad 1. Arte Antiguo y Medieval

En la presente unidad veremos el Arte Antiguo de los siglos VIII a.C. al IV d.C., hasta el arte medieval del V al XIV. Caracterizamos el arte antiguo como el momento en el que arte y verdad armonizaban. El arte medieval cristiano como aquel en que el arte operó como vehículo del mensaje religioso.

Unidad 2. Ciclo siglo XV al XIX. Del Renacimiento al Postimpresionismo

Se hará foco en el período que va del siglo XV al XIX, correspondiente al Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococó, Neoclasicismo y las corrientes del siglo XIX. Fue el momento de la hegemonía del canon mimético y en el que el arte tenía verdad contextual, es decir, estaba amparado por los estamentos del poder. Cierra la unidad con las vertientes Impresionistas y Postimpresionistas de la segunda mitad del siglo XIX, que dieron paso a la revolución moderna.

Unidad 3. Las vanguardias de la década de 1960. Arte Pop

En las unidades que siguen se verán las producciones de los años sesentas, las llamadas "neovanguardias". Comenzamos con el arte pop fue uno de los fenómenos artísticos que mejor reflejó la situación de la nueva sociedad de consumo. Así, la expresión pop, propuesta en 1955, refirió al amplio repertorio de imágenes que generó la nueva cultura urbana e industrial, como las de la publicidad, la televisión, el cine, la fotonovela, los comics etc. Por ejemplo, como los carteles de publicidad, el pop trabajó con colores planos, con la claridad del dibujo y hasta con el brillo en las imágenes. En el mismo sentido, los artistas apelaron a la objetividad y neutralidad. Fue un arte considerablemente anti metafórico, de llegada inmediata. Los primeros movimientos pop surgieron en Inglaterra a fin de los años cincuenta.

En los Estados Unidos tuvieron su apogeo en la era Kennedy de 1960-1964. En nuestro país, la experiencia del Instituto Di Tella, fundado a principio de esta década, dio cuenta de la tendencia. Artistas que se verán: Andy Warhol (Estados Unidos, 1928-1987); Claes Oldenburg (Suecia, 1927); Tom Wesselman (Estados Unidos, 1921-1904) y Marta Minujín (Argentina, 1943).

Unidad 4. Arte Mínimal y Arte de la tierra

El arte mínimal se dio, en un principio, en la ciudad de Nueva York en la década del sesenta. Los artistas trabajaron casi exclusivamente la escultura, repensándola en sus fundamentos. El mínimal fue el arte de la literalidad. Arte sin metáfora. Los artistas pretendían que nada se narre en sus obras y que la experiencia sensible se ampliara al espacio circundante. ¿Qué recursos se usaron para llevar a cabo este programa? ¿Cómo se logró un arte anti metafórico? Con la repetición, los ritmos, y con el uso de formas estáticas y simétricas como el cuadrado y el cubo. Esto implicó el uso de metodologías precisas y sistemáticas y de las buenas formas que, en su simplicidad, agotaban rápidamente su código perceptivo para que el espectador percibiera el espacio circundante. Artistas que se verán: Dan Flavin (Estados Unidos, 1933- 1996), Sol Lewitt (Estados Unidos 1928 - 2007), Donald Judd (Estados Unidos, 1928-1994), Robert Morris (Estados Unidos, 1931-2018), Carl Andre (Estados Unidos, 1935) y Félix González Torres (Cuba 1957-1966).

El arte de la tierra es el arte emplazado en la naturaleza. Fue, en cierta manera, una tendencia crítica con el arte mínimal. Se ponía en tela de juicio el carácter fuertemente formalista de este. Las primeras obras datan de mediados y fines de la década de 1960. En Argentina, Nicolás García Uriburu tiñó las aguas de uno de los canales de la ciudad de Venecia en 1968, en señalamiento a la cuestión climática. A su vez, los artistas cuestionaban los espacios predeterminados del arte. Museos, galerías y el taller ya no satisfacían sus búsquedas. Los artistas comenzaron a experimentar con dimensiones monumentales y con materiales como troncos y ramas de árboles, piedras o tierra. Obviamente, las obras ya no cabían en los espacios del arte. Estas producciones produjeron un cambio radical en el concepto de lo que una obra de arte es en su materialidad. Y fue la emergencia, también, del arte efímero. Así, el registro fotográfico y audiovisual de las obras comenzó a formar parte de ellas, se verán los artistas Robert Smithson (Estados Unidos 1938-1973), Robert Morris (Estados Unidos, 1931- 1918), Walter De María (Estados Unidos 1935-2013), Nancy HoIt (Estados Unidos, 1938-2014), Christo y Jeanne Claude (Bulgaria1935 y Marruecos1935 - 2009, respectivamente) y Nicolás García Uriburu (Argentina, 1937-2016).

Unidad 5. Arte Conceptual

En el conceptual, la experiencia sensible de la obra va acompañada, necesariamente, de la trama reflexiva que propone el artista. El conceptual tuvo contactos, en los Estados Unidos, con la corriente más reflexiva del arte minimal, aquella que privilegiaba los componentes conceptuales de la obra por encima de su proceso de ejecución o fabricación. Era la sobrevaloración del proyecto y de la idea. En Argentina tuvo una génesis diferente.

Después del pop, dijo el argentino Oscar Masotta, nosotros desmaterializamos. Lo cierto es que las prácticas conceptuales, que datan de finales de los sesentas, cuestionaron la validez formalista del arte. La concreción material de la obra perdió centralidad en favor de la idea subyacente a la misma. De aquí que la concepción de la obra de arte como objeto material entró en crisis. Fue el denominado proceso de desmaterialización del arte o de pérdida de su visualidad. Artistas que se verán: (Marcel Duchamp - Francia, 1987-1968), Lawrence Weiner (Estados Unidos, 1942), Joseph Kosuth (Estados Unidos 1945), Robert Barry (Estados Unidos, 1936) y Cildo Meireles (Brasil, 1931-1965).

Unidad 6. Arte del Performance

La performance, o arte de acción, es la práctica en la que el artista propone diversas estrategias de acción e incluso de interacción con el espectador. Se sostiene en el comportamiento social y lo explora. De aquí su carácter comunitario y, también, existencial.

Porque la performance es el proceso, cualquiera sea él, extendido en un tiempo y espacio determinados. Es, en consecuencia, una experiencia vivencial, algo que se experimenta en tiempo real. En este sentido, son prácticas de carácter efímero, por lo que vemos una vez más, como la fotografía o el registro audiovisual pasan a integrar la obra. La performance tuvo que ver con el señalamiento crítico de los artistas a la división que existía entre arte y vida. Ellos impugnaban que el arte se sustrajera al orden de la vida ordinaria. Fue la propuesta de anular las distancias entre objeto arte y la vida real. Artistas que se verán: Marina Abramovic (Yugoeslava, 1946), Yoko Ono (Japón, 1933), George Brecht (Estados Unidos, 1926-2008) y Alberto Greco (Argentina, 1931-1965).