HISTORIA DE ARTE

Arte contemporáneo. Experiencia sensible y pensamiento


Profesora Dra. Claudia Cecilia de Bianchetti.


Presentación  

Este seminario propone estudiar las producciones artísticas contemporáneas. Su objetivo final es, primero, ampliar la experiencia sensible del arte y, segundo, sumar la reflexión. 

El arte contemporáneo tiene que ver con las transformaciones que se dieron a lo largo del siglo XX. Fue el agotamiento de las bases sobre las que se asentaba la tradición. Como resultado, el paradigma artístico iniciado con el Renacimiento, cinco siglos antes, llegó a su fin. 

En este trayecto llegamos al llamado programa moderno en el arte. Sin embargo, la dinámica transformadora continuó expandiéndose hasta nuestros días en las propuestas del arte conceptual, la performance y de las nuevas tecnologías, entre otras, y sobre todo durante los hitos marcados por las décadas del sesenta y noventa.

Los artistas contemporáneos dicen hoy cosas nuevas. Valoran formas de trabajar desconocidas. Acudiremos a la historia del arte y al testimonio de los propios artistas, para apreciar las poéticas y sensibilidad contemporáneas y comprender estos modos de pensar y hacer arte nunca antes visto en la historia. 

A lo largo de seis encuentros, y partiendo de la década de 1960, se hará foco en las tendencias que marcaron el derrotero del arte hasta nuestros días. 


Fundamentación y descripción

¿Qué entendemos por arte contemporáneo? Empecemos por indagar su historicidad. El siglo XX fue escenario de una verdadera revolución. De hecho, significó el fin del paradigma iniciado con el Renacimiento cinco siglos antes. Fue el agotamiento del proyecto de las bellas artes. Así, el canon de lo bello, la mímesis, como la división en géneros perdieron centralidad. Era la emergencia del programa moderno. 

A partir de los años sesentas del siglo XX, y más tarde en los noventas, se produjo un nuevo giro. Porque los artistas empezaron a trabajar de modos diferente, a valorar otros materiales, a usar soportes totalmente novedosos. El contexto histórico social correspondió a la aparición de la nueva sociedad de consumo y de los medios masivos de comunicación, la eclosión de nuevas tecnologías de la información y comunicación y, finalmente, el capitalismo financiero y transnacional. 

Muchas de las bases sobre las que hoy se produce arte fueron formuladas en aquellas décadas.  Las nociones de desmaterialización del arte, confusión arte y vida son alguna de ellas. Otras, la crisis del canon del hacer virtuoso del artista, la revalorización de la copia en desmedro del original, o la apropiación de objetos, cualquieras sean ellos,  para el arte. 

El presente seminario comprende seis jornadas. La primera estará dedicada a repasar, muy sintéticamente, las etapas históricas del arte en occidente.  Comenzando por el arte antiguo, como momento en que arte y verdad armonizaban. Seguidamente se hará foco en el arte medieval cristiano, arte pensado como vehículo del mensaje religioso. Se finaliza con el arco temporal que traza el siglo XV al XIX.  Son cinco siglos en los que se impuso el canon mimético. Si bien hubo guerras de estilo entre los artistas de los diversos períodos, estas nunca cuestionaron el paradigma de la representación. Una vez que el arte comenzó a autonomizarse de los contextos de poder llegamos a la revolución del arte moderno. En las siguientes jornadas se verá cada una de las cinco tendencias seleccionadas que, a nuestro entender, fueron claves de los años de 1960. Arte pop, arte mínimal, arte de la tierra, arte conceptual y arte del performance. Se apreciará y reflexionará la obra de los artistas fundadores y destacados en cada una de estas, cerrando la unidad con obra de creadores latinoamericanos y de obras producidas, preferentemente, en la década del noventa y fechas recientes.


Contenidos


Unidad 1 

Se ven tres etapas históricas del arte en occidente. Estas son el arte antiguo de los siglos VIII a.c. al IV d.c., el arte medieval del V al XIV, y el período que va del siglo XV al XIX, correspondiente al Renacimiento, Manierismo, Barroco, Rococó, Neoclasicismo y las corrientes del siglo XIX. Caracterizamos el arte antiguo como el momento en el que arte y verdad armonizaban. El arte medieval cristiano como aquel en que el arte operó como vehículo del mensaje religioso. Y, finalmente, caracterizamos el arco temporal del siglo XV al XIX, como el momento de hegemonía del canon mimético y en el que el arte tenía verdad contextual, es decir, estaba amparado por los estamentos del poder. 

Unidad 2. Arte pop 

El arte pop fue uno de los fenómenos artísticos que mejor reflejó la situación de la nueva sociedad de consumo. Así, la expresión pop, propuesta en 1955, refirió al amplio repertorio de imágenes que generó la nueva cultura urbana e industrial, como las de la publicidad,  la televisión, el cine, la fotonovela, los comics etc. Por ejemplo, como los carteles de publicidad, el pop trabajó con colores planos, con la claridad del dibujo y hasta con el brillo en las imágenes. En el mismo sentido, los artistas apelaron a la objetividad y neutralidad. Fue un arte considerablemente anti metafórico, de llegada inmediata. Los primeros movimientos pop surgieron en Inglaterra a fin de los años cincuenta. En los Estados Unidos tuvieron su apogeo en la era Kennedy de 1960-1964. En nuestro país,  la experiencia del Instituto Di Tella, fundado a principio de esta década, dio cuenta de la tendencia. Artistas que se verán: Andy Warhol (Estados Unidos, 1928-1987); Claes Oldenburg (Suecia, 1927); Tom Wesselman (Estados Unidos, 1921-1904) y Marta Minujín (Argentina, 1943).

Unidad 3. Arte mínimal 

El arte mínimal se dio, en un principio, en la ciudad de Nueva York en la década del sesenta. Los artistas trabajaron casi exclusivamente la escultura, repensándola en sus fundamentos. El minimal fue el arte de la literalidad. Arte sin metáfora. Los artistas pretendían que nada se narre en sus obras y que la experiencia sensible se ampliara al espacio circundante. ¿Qué recursos se usaron para llevar a cabo este programa? ¿Cómo se logró un arte anti metafórico? Con la repetición, los ritmos, y con el uso de formas estáticas y simétricas como el cuadrado y el cubo. Esto implicó el uso de metodologías precisas  y sistemáticas y de las buenas formas que, en su simplicidad, agotaban rápidamente su código perceptivo para que el espectador percibiera el espacio circundante. Artistas que se verán: Dan Flavin (Estados Unidos, 1933-1996), Sol Lewitt (Estados Unidos 1928 - 2007), Donald Judd (Estados Unidos, 1928-1994), Robert Morris (Estados Unidos, 1931-2018), Carl Andre (Estados Unidos, 1935) y Félix González Torres (Cuba 1957-1966).

Unidad 4. Arte de la tierra

El arte de la tierra es el arte emplazado en la naturaleza. Fue, en cierta manera, una tendencia crítica con el arte mínimal. Se ponía en tela de juicio el carácter fuertemente formalista de este. Las primeras obras datan de mediados y fines de la década de 1960. En Argentina, Nicolás García Uriburu tiñó las aguas de uno de los canales de la ciudad de Venecia en 1968, en señalamiento a la cuestión climática. A su vez, los artistas cuestionaban los espacios predeterminados del arte. Museos, galerías y el taller ya no satisfacían sus búsquedas. Los artistas comenzaron a experimentar con dimensiones monumentales y con materiales como troncos y ramas de árboles, piedras o tierra. Obviamente, las obras ya no cabían en los espacios del arte, lo que produjo un cambio radical en el concepto de lo que una obra de arte es en su materialidad. Y fue la emergencia, también, del arte efímero. Así, el registro fotográfico y audiovisual de las obras comenzó a formar parte de las ellas. Artistas que se verán: Robert Smithson (Estados Unidos 1938-1973), Robert Morris (Estados Unidos, 1931-1918), Walter De María (Estados Unidos 1935-2013), Nancy HoIt (Estados Unidos, 1938-2014),  Christo y Jeanne Claude (Bulgaria 1935 y Marruecos 1935 - 2009, respectivamente) y Nicolás García Uriburiu (Argentina, 1937-2016).

Unidad 5. Arte conceptual 

En el conceptual, la experiencia sensible de la obra va acompañada, necesariamente, de la trama reflexiva que propone el artista. El conceptual tuvo contactos, en los Estados Unidos, con la corriente más reflexiva del arte minimal,  aquella que privilegiaba los componentes conceptuales de la obra por encima de sus proceso de ejecución o fabricación. Era la sobrevaloración del proyecto y de la idea. En Argentina tuvo una génesis diferente. Después del pop, dijo el argentino Oscar Masotta, nosotros desmaterializamos. Lo cierto es que las prácticas conceptuales, que datan de finales de los sesentas, cuestionaron la validez formalista del arte. La concreción material de la obra perdió centralidad en favor de la idea subyacente a la misma. De aquí que la concepción de la obra de arte como objeto material entró en crisis. Fue el denominado proceso de desmaterialización del arte o de pérdida de su visualidad. Artistas que se verán: (Marcel Duchamp - Francia, 1987-1968), Lawrence Weiner (Estados Unidos, 1942), Joseph Kosuth (Estados Unidos 1945), Robert Barry (Estados Unidos, 1936) y Cildo Meireles (Brasil, 1931-1965).

Unidad 6. Arte del performance 

La performance, o arte de acción, es la práctica en la que el artista propone diversas estrategias de acción e incluso de interacción con el espectador. Se sostiene en el comportamiento social y lo explora. De aquí su carácter comunitario y, también, existencial. Porque la performance es el proceso, cualquiera sea él,  extendido en un tiempo y espacio determinados. Es, en consecuencia, una experiencia vivencial, algo que se experimenta en tiempo real.  En este sentido, son prácticas de carácter efímero, por lo que vemos una vez más, como la fotografía o el registro audiovisual pasan a integrar la obra. La performance tuvo que ver con el señalamiento crítico de los artistas a la división que existía entre arte y vida. Ellos impugnaban que el arte se sustrajera al orden de la vida ordinaria. Fue la propuesta de anular la distancias entre objeto arte y la vida real. Artistas que se verán: Marina Abramovic (Yugoeslava, 1946), Yoko Ono (Japón, 1933), George Brecht (Estados Unidos, 1926-2008) y Alberto Greco (Argentina, 1931-1965).